João Noutel pertence a uma geração de vanguarda de artistas, presente em quase todos os lugares no nosso planeta globalizado, que têm vindo a desenvolver as suas próprias técnicas, numa abordagem distinta e original, que facilita ao observador identificar e distinguir o seu trabalho entre centenas, mesmo milhares de outros, por exemplo, nas feiras de arte.
Se eu fosse obcecado com a nomenclatura e a categorização dos artistas, eu iria estar a quebrar a cabeça para o termo certo a aplicar ao seu trabalho: pós-pintura, pós- escultura, pós-desenho, pintura-escultura assistida por computador revestido com acabamentos brilhantes, arte visual-táctil, pós-moderno pós-media misturada... a fim de evitar incluí-lo nessa frase que pega em tudo – “Novas Tecnologias” (mais com “tudo incluído” e alusivas o tempo todo), que, naturalmente, são menos "Novas" a cada dia que passa. Claro, podemos sempre recorrer na média mista confiável, mas se eu decidi escrever sobre Noutel é porque quero tentar e ir além de termos banais deste género.
Chega de preâmbulos, vamos diretos ao ponto: o que exatamente faz João Noutel, tecnicamente falando? Numa entrevista que lhe fiz recentemente, o próprio artista qualificou a sua técnica como “nada complicada”1 mesmo que a sua aparência nos leve a pensar o contrário. Estas são as etapas básicas:
1. Desenha ou pinta o motivo decidido em papel ou lona com diversos materiais: acrílico, óleo, guache, têmpera, carvão...
2. Fotografa a imagem resultante.?3. Manipula a imagem (analógica) no computador até atingir o resultado desejado (digital).
4. Com essa imagem final imprime um ou vários plotters (geralmente em grande formato) em papel fotográfico especial.
5. Cola este plotter ou plotters em painéis de MDF. A superfície da peça adquire textura. O artista chama esta fase “processo de colagem”.
6. Ele cobre toda a superfície da peça com um verniz brilhante, conferindo-lhe durabilidade e protecção, dando-lhe a aparência (até tecnológica) final e tipicamente industrial.
Conceito
E é isso tudo. Mas é claro, com o trabalho do Noutel (aquele que o público associa a neo-Pop) o todo é maior do que a simples soma de suas partes. E em cada parte do processo, ele demonstra um exigente e rigoroso domínio técnico. Enquanto navegava na Internet, encontrei uma citação do meu agrado que é relevante para a nossa discussão: “O termo arte deriva do Latim “ars”, que significa habilidade, e faz alusão à realização de ações que exigem experiência humana que expressa e leva em conta os valores culturais e ideológicos de seu contexto.”2 Isso leva-nos a outro factor que deve ser considerado sobre o trabalho de todos os artistas: o seu conceito. Falando em termos estritamente estéticos, o trabalho de João Noutel é bonito e delicado na aparência; mas se ele também é capaz de atrair e cativar a atenção do espectador é porque, além de ser uma obra de arte atraente, também possui uma essência que comunica inúmeras ideias e sentimentos de maneiras diversas (na sua forma e conteúdo).
Muitas vezes falamos de tendências artísticas como Neo (tal como acontece com neo-Pop), um recurso e maneira simples de entender o outro, escusado será dizer que não vou perder o meu tempo a procurar um termo original que possa definir adequadamente o trabalho do Noutel.
De qualquer forma, estas tendências, que podemos designar tão arrogantemente com a colocação do prefixo Neo para o nome de um movimento anterior, não são de maneira alguma uma cópia do passado, e ainda menos um retorno a ele.
Acho que qualquer conexão entre o tão chamado neo-Pop e o trabalho do Noutel é mais uma simples coincidência.
A história é cíclica e há sempre uma parte do seu tecido complexo que pode coincidir de alguma forma com algum episódio do passado.
Mas Noutel estaria a fazer o que faz, mesmo que o Pop não tivesse surgido na década de 50, embora seja verdade que possa ser útil referirmo-nos a ele a fim de ilustrar algum aspecto de seu trabalho, na perspectiva de que a Pop Art foi exaustivamente estudada e analisada por críticos e historiadores de arte. Mas apenas por esta razão.
Pop Art foi distinguido, sobretudo, por ser baseada no que o seu nome indica: a cultura popular de massas.3Daí a sua propagação rápida e popularidade. Foi uma reação ao elitismo e à arrogância das belas-artes, exposto e praticado por uma minoria intelectual, até então dominante. Precisamos recordar o ambiente da época, o terreno fértil em que esse movimento brotou e cresceu: nos anos do pós-guerra, após a Segunda Guerra Mundial, uma nova revolução industrial e de comunicação e social em plena floração. Mas nem os tempos nem os artistas são agora os mesmos. Como Ortega Y Gasset disse, "Eu sou eu e as minhas circunstâncias"4, e as circunstâncias em que vive João Noutel, sente, pensa e explora, não é essa do Reino Unido em meados dos anos 50, nem a dos EUA no final da década.
O artista está interessado, acima de tudo, na fragilidade da condição humana e tudo que isso implica na situação contemporânea dos dias de hoje. As pessoas sentem-se frequentemente reduzidas, deslocadas e alienadas dos atributos da sua definição e identidade por uma globalização agressiva e invasiva. E esta agressão manifesta-se sobretudo pela invasiva acção dos media. Os jovens de hoje, por exemplo, e sem a necessidade de consultar os chamados meios de comunicação, não pensam nas coisas, olham sim para estas através dos seus telemóveis com o objectivo primário de compartilhá-las com os seus amigos. Eles podem até mesmo inconscientemente competir entre si para ver quem pode "ver"mais coisas. Isto é algo que deve estar a ser estudado por sociólogos, pediatras e outros especialistas relevantes, porque um dos efeitos mais graves é que a nossa sociedade está a perder a noção da memória histórica: no passado, a maioria das pessoas tiraram fotos, esperaram com impaciência para verem os resultados e então cuidadosamente a salvá-los em álbuns de fotos... Agora, porém, as imagens perdem o seu valor e a aura porque o nosso entusiasmo desaparece ao mesmo ritmo, enquanto as imagens passam diante dos nossos olhos. Há sempre muitas mais à espera para serem vistas fugazmente, não como um momento de descanso mas para realmente as levarmos, mentalmente ou emocionalmente. Às vezesdecidimos salvar algo na "memória" de um dos nossos dispositivos tecnológicos (e então rapidamente esquecemos qual o arquivo que lá colocámos), mas na maioria das vezes eles perdem-se no ciberespaço e nunca os voltamos a ver novamente...O efémero é mais efémero a todo o tempo.
Mas... Ainda podemos contar com o Exército da Salvação dos Artistas, e João Noutel é membro desse Conselho de Administração. O leitmotiv5 da sua paixão criativa é o poder graficamente expressado da arte histórica, juntamente com a iconografia exuberante do nosso mundo contemporâneo: o valor de certas imagens e a semântica universal que elas contêm. Noutel presta homenagem às imagens e aos seus significados, que ele habilmente analisa, desconstrói e reconstrói, tornando-as únicas réplicas, ainda mais poderosas do que as originais. Na entrevista acima mencionada de apenas quatro meses atrás, Noutel aludiu directamente ao conceito do seu trabalho, que conscientemente (e, sem dúvida, inconscientemente também) constitui o seu zeitgeist6 privado e pessoal: "Uma desconstrução metafórica do significado que se espera à priori de uma imagem... Exploro ideias simples, frequentemente empregando ironia para expressá-las de forma mais ou menos íntima... Várias contradições da realidade contemporânea, noções como fama, medo, sucesso, paixão, amor, sensualidade...”7
Contexto
No contexto acima descrito de alienação e banalização da iconografia contemporânea, precisamente por causa do seu excesso desenfreado e crescimento anárquico semelhante à de cancro, João Noutel admite: “O meu trabalho é um exercício de liberdade, criando imagens novas e exclusivas de uma selecção do mais comum e efémero, e isso dá-me um grande prazer. Ainda mais longe: é uma necessidade intrínseca.” E gostaria de acrescentar que é ainda mais do que isso, porque o artista frequentemente inclui frases no seu trabalho, portanto, reforça as imagens com palavras e une os dois com uma aliança fértil, enfatizando a desconstrução de situações típicas e clichês do nosso tempo presente às quais ele se compromete.
Como em Pop Art, Noutel emprega e recicla imagens da cultura popular, extraídos de diversos meios de comunicação: propagandas, bandas desenhadas, itens de consumo diário e do mundo do cinema. Ele usa essas imagens populares descontextualizando-as e isolando-as, ou combinando-as com os outras, destacando o aspecto banal ou kitsch de algum elemento cultural contemporâneo, muitas vezes através do uso de ironia. Outra característica significativa que ele compartilha com o movimento revolucionário do pós-guerra é o uso do desenho Hard-Edge (contornos precisos, fortes), não apenas como um elemento formal, mas a serviço do seu objetivo de enfatizar a abordagem impessoal, ele pratica na representação dos arquétipos do avanço da globalização. Ele emprega um reducionista e um praticante esquemático que retrata as características das massas sem representar alguém em especial. Pop Art fez o mesmo como paródia em reacção contra o simbolismo pessoal e subjetivo do movimento anterior, o Expressionismo Abstrato; Mas Noutel é uma resposta irónica à alienação contemporânea e despersonalização. Pop Art e o Minimalismo são considerados os últimos movimentos da arte moderna, os precursores da pós-modernidade, embora alguns críticos os vejam como primeiras manifestações do pós-modernismo. Então João Noutel é "post" e "neo" de uma só vez, juntamente com várias outras coisas também.
O artista declarou em várias ocasiões que, embora não se considere "um pintor no sentido estrito e convencional do termo”, pintura e desenho são a base do seu trabalho. Como todos sabemos, a pintura tem muitos detractores: aqueles que a consideram também tradicional, antiquada, seca, limitada por sua natureza bidimensional secular, até mesmo excessivamente burguesa...Curiosamente, a escultura (que tem menos detractores) é mais antiga, decorrentes no Paleolítico inferior, considerado como terminado uns 127.000 anos antes da Era comum, enquanto a pintura só aparece depois de dois períodos, no Paleolítico Superior (35,000-12,000 aC) com as imagens de cavalos nas cavernas Pech Merle (Dordogne, França, ca. 18.000 dC). Embora o desaparecimento da pintura tenha sido primeiramente declarada por Paul Delaroche em 1839, a atitude homicida em direcção ao meio, mais ou menos sistemático e persistente para este dia, ocorreu com a morte (real) de Pollock em 1956, mais ou menos sistemática e persistente até hoje, ocorreu com a morte (real) de Pollock em 1956, quando muitos artistas jovens se atiraram apaixonadamente nos braços de objetos-orientados e da arte tridimensional. No entanto, penso que esses instintos homicidas foram mais dirigidos a "pinturas" estritamente consideradas (um bidimensional, lona, papel ou suporte de madeira normalmente delimitados por uma moldura) do que o meio pictórico como tal, que não está limitado a apenas "pintura", embora no uso popular, os dois termos são mais frequentemente empregados indistintamente, bem como equivocadamente. Porque, como bem sabemos, desde os tempos pré-históricos a pintura tem sido aplicada a uma grande variedade de superfícies. O termo "pintura expandida", actualmente na moda, parece-me ser uma táctica de autodefesa de sobrevivência em resposta a esta ofensiva contra a pintura tradicional. Como Miquel Barceló disse: "Esta é a minha atitude, eu transformo tudo em pintura. Todo o elemento com que eu opero é, fundamentalmente, o mesmo: pintura. Está lá nos meus diários de viagem, nos enormes blocos de lama na Catedral de Mallorca ou numa grande tela.”8
Na Grécia antiga as artes foram divididas em superiores e inferiores, as primeiras seriam aquelas que podem ser percebidas por meios pelos quais foram considerados os sentidos superiores (visão e audição), ou seja, aqueles com que não há um contacto físico (contaminação) com o objecto observado que estava envolvido. Eram seis Belas Artes: arquitectura, escultura, pintura, música (que incluiu teatro), declamação (que inclui literatura) e dança. É por isso que o cinema veio a ser conhecido como a sétima arte. Muita água fluiu sob a ponte, desde então, e criar um mapa das diferentes disciplinas do mundo de hoje, seria impossível. Deverá existir alguma razão para que o termo "media mista" seja tão popular. Hoje, a fronteira entre essas disciplinas é muitas vezes violado por artistas práxis; o artista genuíno é um explorador e faz o que ele ou ela deseja, auxiliado por recursos físicos (e tecnológicos) indisponíveis no passado. De facto vivemos a chamada Era da Informação, dando origem a um excesso de informação em tempo real e que abrange praticamente todo o planeta, que não é relevante para este fenómeno, e promove por sua vez, uma hibridização global e fertilização cruzada que só acrescenta mais combustível para o fogo criativo de artistas...
Nós não precisamos de encontrar um nome específico para o que João Noutel faz. “Rótulos” ajudam-nos a comunicar mais rapidamente e facilitam o trabalho dos críticos, mas também frequentemente contraem e distorcem o espírito criativo dos artistas, que é inerentemente rebelde e eternamente irá romper limites e limitações.
Salamir (Astúrias, Espanha), de Agosto de 2013.
1 Três artistas: três maneiras de ver e praticar artes visuais art.es, n º 55, p. 94-103, Madrid, maio de 2013.2 http://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20081030180659AAliN5l
3 O termo Pop Art foi inventado pelo crítico inglês Lawrence Alloway, que usou a expressão "cultura em massa popular" num ensaio de Artes e os meios de Comunicação Social (1958).
4 Ortega y Gasset, José, Obras Completas, Vol. I. Ed. Taurus/Fundação José Ortega y Gasset, Madrid, 2004, p. 757.
5 Leitmotiv: no alemão leiten, 'guia' e motif ,'motivo', um termo
inventado por Richard Wagner, é recorrente de um tema musical numa composição e, por extensão,crucial tema recorrente de uma obra de arte literária, cinematográfica ou visual emgeral.
É a inspiração constante de uma peça.
6 Em alemão, "o espírito dos tempos".
7 Três artistas: três maneiras de ver e praticar artes visuais art.es, n º 55, p. 94-103, Madrid, maio de 2013.
8 Andreu Manresa, imagens de tempos antigos, El Pais (Madrid), 8 de setembro de 2012.
João Noutel belongs to a cutting-edge generation of artists, present almost everywhere on our globalized planet, that have been developing their own techniques, a distinct, original approach that makes their work easy to identify and distinguish among hundreds, even thousands of others present, for instance, at art fairs. If I were obsessed with nomenclature and the categorizing of artists, I’d be racking my brains for the right term to apply to his work: post-painting, post-sculpture, post-drawing, computer-assisted painting-sculpture coated with glossy finishes, visual-tactile art, post-modern post-mixed media…so as to avoid including it in that catch-all phrase New Technologies (more all-inclusive and allusive all the time), which, naturally, are less “new” with each passing day. Of course, we can always fall back on the dependable “mixed media”, but if I decided to write about Noutel it’s because I want to try and get beyond hackneyed terms like that.
Enough of preambles; let’s get directly to the point: what exactly does João Noutel do, technically speaking? In an interview I did with him recently, the artist himself qualified his technique as “nothing complicated,”1 even if its appearance leads us to think otherwise. These are the basic steps:
1. He draws or paints the motif decided upon on paper or canvas with various materials: acrylic, oil, gouache, tempera, charcoal…
2. He photographs the resulting image.
3. He manipulates this (analogical) image in the computer until he achieves the desired (digital) result. Here he applies a reductionist and schematizing process to get that Pop look so characteristic of his work.
4. With that final image he prints one or various plotters (usually in large format) on photographic paper.
5. He glues this plotter or plotters onto MDF panels. The surface of the piece acquires texture. The artist calls this phase of the process collage.
6. He covers the entire surface of the piece with a glossy varnish, which makes it durable and gives it its final and typically industrial (even technological) appearance.
Concept
And that’s it. But of course, with Noutel’s work (which the public associates with neo-Pop) the whole is greater than the simple sum of its parts. And in every part of the process he demonstrates a demanding and exacting technical mastery. While surfing the Internet I found a quote to my liking that’s relevant to our discussion: “The term Art derives from the Latin ars, which means skill, and alludes to the realization of actions that require human expertise that expresses and takes into account the cultural and ideological values of its context.”2 This leads us to another factor that must be considered regarding the work of all artists: its concept. Speaking in strictly aesthetic terms, João Noutel’s work is beautiful and delicate in appearance; but if it’s also capable of attracting the viewer’s attention and holding his thoughtful and attentive gaze it’s because, apart from being an attractive work of art, it possesses as well an essence that communicates numerous ideas and feelings in diverse ways (in both its form and content).
We often speak of artistic trends as neo (as with neo-Pop), a simple recourse and way of understanding one another (it goes without saying that I’m not going to waste my time looking for an original term that could adequately define Noutel’s work). At any rate, these trends, which we so cavalierly designate by affixing the prefix neo onto the name of a previous movement, are by no means mere copies of the past, and even lass a return to it. I think any connection between so-called neo-Pop and Noutel’s work is more of a simple coincidence. History is cyclical and there’s always some part of its complex fabric that may coincide somewhat with some episode from the past. But Noutel would be doing what he does even if Pop hadn’t emerged in the 50s, though it’s true that referring to it in order to illustrate some aspect of his work can be useful, since Pop Art has been exhaustively studied and analyzed by both critics and art historians. But only for that reason.
Pop Art was distinguished, above all, for being based on what its name indicates: the popular culture of the masses.3 Hence its swift spread and popularity. It was a reaction to the elitism and arrogance of the Fine Arts, expounded and practiced by an intellectual minority, until then dominant. We need to recall the ambience, the breeding ground in which it sprouted and grew: the postwar years following World War ll, which saw a new industrial and mass communications revolution in full bloom. But neither the times nor the artists are now the same. As Ortega y Gasset said, “I am both me and my circumstances,”4 and the circumstances in which João Noutel lives, feels, thinks and explores isn’t that of the UK in the mid-50s nor the US at the end of that decade.
The artist is interested, above all, in the fragility of the human condition and everything that this entails in today’s contemporary situation. People frequently feel reduced, displaced and alienated from the defining attributes of their identity by an aggressive and invasive globalization. And this aggression is manifested above all by the plethora of media invading us. Today’s young people, for instance, and with no need to refer to the so-called mass media, don’t think about things, they look at them through their mobile phones with the primary aim of sharing them with their friends. They may even be unconsciously competing among themselves to see who can “see” more things. This is something that sociologists, pediatricians and other relevant specialists should be studying, because one of its most serious effects is that our society is losing the notion of historical memory: in the past, most people took pictures, waited with impatience for the results and then carefully saved them in photo albums… Now, though, images have lost their value and aura because our enthusiasm disappears at the same rate as the images pass before our eyes. There are always many more waiting to be viewed fleetingly, with not a moment’s pause to really take them in, either mentally or emotionally. Sometimes we decide to save one in the “memory” of one of our technological devices (and then promptly forget which file we put it in), but most of the time they become lost in cyberspace and we never see them again… The ephemeral is more ephemeral all the time.
But…we can still count on the Salvation Army of Artists… and João Noutel is a member of its Board of Directors. The leitmotif 5 of his creative passion is the graphically expressed power of historic art coupled with the exuberant iconography of our contemporary world: the value of certain images and the universal semantics they contain. Noutel pays tribute to images and their meanings, which he deftly analyzes, deconstructs and reconstructs, making them unique replicas, even more powerful than the originals. In the above mentioned interview from just four months ago, Noutel alluded directly to the concept of his work, which consciously (and undoubtedly unconsciously as well) constitutes his private and personal zeitgeist:6 “A metaphorical deconstruction of the meaning which one expects a priori from an image… I explore simple ideas, often employing irony to express them in a more or less intimate manner…various contradictions of contemporary reality, notions such as fame, fear, success, passion, love, sensuality…”7
Context
In the above described context of alienation and trivialization of contemporary iconography, precisely because of its unrestrained excess and anarchic growth akin to that of cancer, João Noutel admits: “My work is an exercise in freedom, creating new and unique images from a selection of ordinary and ephemeral ones, and it gives me great pleasure. Even further: it’s an inherent necessity for me.” And I’d add that it’s still more than that, because the artist frequently includes phrases in his work, hence reinforcing images with words and uniting both in a fertile alliance, emphasizing the deconstruction of typical situations and the clichés of our present time that he undertakes.
As in Pop Art, Noutel employs and recycles images from popular culture taken from various media: advertizing, comic books, everyday consumer items and the movie world. He uses these popular images by decontextualizing and isolating them, or by combining them with others, highlighting the banal or kitschy aspect of some contemporary cultural element, often through the use of irony. Another significant feature he shares with that revolutionary postwar movement is the use of hard-edge drawing (strong, precise outlines), and not only as a formal element, but in service to his aim of emphasizing the impersonal approach he practices in representing the archetypes of advancing globalization. He employs a reductionist and schematic hieraticism that portrays the features of the masses without depicting anyone in particular. Pop Art did the same as a parody in reaction against the personal and subjective symbolism of the preceding movement, Abstract Expressionism; but Noutel’s is an ironic response to contemporary alienation and depersonalization. Pop Art and Minimalism are considered modern art’s last movements, the precursors to Postmodernism, although some critics see them as Postmodernism’s earliest manifestations. So João Noutel is both “post” and “neo” at once, along with various other things as well.
The artist has declared on various occasions that, although he doesn’t consider himself “a painter in the strict and conventional sense of the term,” painting and drawing are the basis of his work. As we all know, painting has many detractors: those who consider it to be too traditional, antiquated, dried-up, limited by its secular two-dimensional nature, even excessively bourgeois… Curiously, sculpture (which has less detractors) is much older, arising in the Lower Paleolithic, considered to have ended some 127,000 years before the Common Era, while painting appeared only after two further periods, in the Upper Paleolithic (35,000-12000 BC) with the images of horses in the Pech Merle caves (Dordogne, France, ca. 18,000 AC). Although painting’s demise was first declared by Paul Delaroche in 1839, the homicidal attitude toward the medium, more or less systematic and persisting to this day, occurred with the (actual) death of Pollock in 1956, when many young artists threw themselves passionately into the arms of object-oriented and three dimensional art. However, I think that these homicidal instincts were more directed at “paintings” strictly considered (a two-dimensional canvas, paper or wood support usually delimited by a frame) than at the pictorial medium as such, which is not limited to just “painting,” though in popular usage the two terms are most often employed indistinctly as well as erroneously. Because, as we well know, since pre-historical times paint has been applied to a huge variety of surfaces. The currently fashionable term “expanded painting” seems to me to be a self-defense survival tactic in response to this offensive against traditional painting. As Miquel Barceló said, “That’s my attitude, I transform everything into painting. All the elements I operate with are, fundamentally, the same: painting. It’s there in my travel journals, in the enormous blocks of mud in Mallorca's cathedral or in a large canvas."8
In ancient Greece the arts were divided into major and minor, the former being those that could be perceived by way of what were considered the superior senses (seeing and hearing), that is, those in which no physical contact (contamination) with the observed object was involved. There were six Fine Arts: architecture, sculpture, painting, music (which included theater), declamation (which included literature) and dance. That’s why movies came to be known as the Seventh Art. A lot of water has flowed under the bridge since then, and in today’s world creating a map of the different artistic disciplines would be all but impossible. There must be some reason why the term “mixed media” is so popular. Today, the frontier between these disciplines is often breached by artists’ praxis; the genuine artist is an explorer and does what he or she wishes, aided by physical (and technological) resources unavailable in the past. The fact that we live in the so-called Information Age, giving rise to an excess of information in practically real time and spanning the entire planet, is not irrelevant to this phenomenon, and fosters in turn a global hybridization and cross-fertilization that only adds more fuel to the creative fire of artists…
We don’t need to find a specific name for what João Noutel does. Labels help us to communicate more rapidly and make the job of critics easier, but they also frequently constrict and distort artists’ creative spirit, which is inherently rebellious and forever breaking through bounds and limitations.
Salamir (Asturias, Spain), August, 2013.
1 Three artists: three ways of seeing and practicing visual arts, art.es, nº 55, p. 94-103, Madrid, May 2013.2 http://es.answers.yahoo.com/question/index?qid=20081030180659AAliN5l
3 The term Pop Art was coined by the British critic Lawrence Alloway, who used the expression “popular mass culture” in his essay The Arts and the Mass Media (1958).
4 Ortega y Gasset, José, Obras Completas, Vol. I. Ed. Taurus/Fundación José Ortega y Gasset, Madrid, 2004, p. 757.
5 Leitmotif: from the German leiten, ‘guide’, and motif, ‘motive’, a term coined by Richard Wagner, is a recurrent musical theme in a composition, and by extensión, crucial recurrent theme of a literary, cinematic or visual work of art in general. It’s the inspirational constant of a piece.
6 In German, “the spirit of the times”.
7 Three artists: three ways of seeing and practicing visual arts, art.es, nº 55, p. 94-103, Madrid, May 2013.
8 Andreu Manresa, Imágenes de tiempos remotos, El País (Madrid), September 8, 2012.